Never found the end.

Este proyecto nació de una de mis grandes pasiones, viajar. Cuando emprendo un viaje es cuando más ganas tengo de fotografiar mi entorno, todo lo que me rodea se convierte en desconocido para mi, aunque no lo sea, y me siento tan ajena al medio que me rodea que necesito capturarlo con una cámara de fotos, hacerlo inmortal para poder volver a él siempre que lo desee.

LOS NADIES

Todo el mundo habla de mi generación como “la generación perdida”, viviendo un presente inestable y con el sueño de llegar a un futuro que cada vez se torna más oscuro e incierto. No sé si nosotros somos los culpables, si es la sociedad, o simplemente hemos tenido la mala suerte de haber nacido en éste momento, sea como sea, la mayoría de personas jóvenes que conozco se encuentran en esta situación de incertidumbre y estancamiento, en la que la única opción es prepararse lo mejor posible, sin tener la menor idea de lo que nos deparará la vida.

REM. Cuando el espíritu se desvanece, aparece la forma.

Siempre me ha despertado interés mirar a las personas mientras duermen, me provoca la sensación de estar observando un momento muy íntimo de esa persona, ese momento en que el cuerpo se encuentra en el estado más puro, libre de toda percepción sensorial del entorno, indefenso de reacciones conscientes ante los estímulos de su entorno.

Fotografía de producto

No somos conscientes de la cantidad de fotografía de productos que nos rodean, cada revista, cada hoja de publicidad que nos dan por la calle, en las paradas de los autobuses y en los supermercados. Yo tampoco era consciente de esto hasta que nos encerraron en un plató con una botella de vino, todo habría sido fabuloso si fuese porque nuestra única misión era fotografiarla sin brillos. Finalmente conseguimos quitarle los brillos a las botellas, al plástico e incluso al metal.

Diseño de carta de "La Sureña"

Las fotografías de esta carta las hice junto a mi compañero de clase Kike Diaz.
Mis más sinceros agradecimientos al restaurante "La Sureña" por su amabilidad, ya que tuvieron que soportarnos pululando por el restaurante toda una tarde.

Con un nivel desnivelado y un par de clavos.

Nunca antes me había planteado cómo montar una exposición, sin embargo ahora que he montado junto a mis compañeros un par de ellas, tengo dos cosas muy claras, en primer lugar que mis exposiciones futuras las voy a montar yo, y en segundo lugar que no podré hacerlo sola. Porque no es lo mismo montar una exposición con copias propias que con las de desconocidos, y no es que por el hecho de que no sean tuyas las vayas a tratar peor, pero sí es cierto que no se pone el mismo entusiasmo e interés. No cuentas con el factor de la ilusión.

La semana pasada inauguramos una exposición todos los alumnos de la Escuela de Arte de Murcia, en colaboración con el Archivo Regional, que básicamente nos dejó sus paredes para que colocáramos nuestras obras en ellas.
Aunque es una tarea bastante costosa, tanto mental como física, el montar una exposición fotográfica es un trabajo que yo considero necesario, pues ves las obras de otra manera, las catalogas de otra forma, y las analizas con una visión diferente a con la que sueles mirarlas.

También es imprescindible la ayuda, ya no solo a la hora de sujetar la fotografía mientras tú das martillazos, sino a la hora de dar su opinión, de poder debatir el lugar y la posición de cada pieza en los límites de una habitación cerrada.

Compartir los momentos es lo que hace que éstos sean importantes, aunque sean pocos y no duren mucho.

BRENT STIRTON. El fotoperiodista del color.

Brent Stirton es un fotógrafo sudafricano de 42 años, que reside actualmente en Nueva York, aunque pasa un promedio de nueve meses al año viajando. Tiene una larga historia en el mundo del documental y el fotoperiodismo, siendo destacado el enfoque y el tratamiento alternativos que da a sus reportajes.

El trabajo de Brent ha sido publicada por: National Geographic Magazine, la revista Time, Smithsonian Magazine, The Discovery Channel, Newsweek, The New York Times Magazine, The London Sunday Times Magazine, Le Express, Le Monde 2, Figaro, Paris Match, GQ, Geo , Stern, CNN y muchos otros.
Brent también es el fotógrafo oficial de la Coalición Mundial de Empresas contra el Sida, la Tuberculosis y la Malaria. También trabaja en el campo de la sostenibilidad para el Fondo Mundial de la Naturaleza.

Brent Stirton es uno de los embajadores de Canon, junto con otros 11 grandes fotógrafos, y escribe un blog para Dicovery Channel.

Brent ha recibido premios del Overseas Press Club, el Frontline Club, el Deadline Club, Days Japón, el Premio Internacional de Fotografía en China, American Photography, y varias asociaciones de fotografía, como la de Londres.

Tambien ha recibido 6 premios de la Fundación Lucie incluyendo fotógrafo Internacional del Año. Ha ganado 5 premios de la Fundación World Press Photo y ha recibido 2 premios de las Naciones Unidas por su trabajo sobre el medio ambiente y  el VIH. Ganó el National Magazine Award por su trabajo en el Congo por la revista National Geographic.
 
Brent coprodujo un documental sobre el Parque Nacional Virunga en conflicto para el canal de televisión de National Geographic, además de aparecer en él. El documental ganó el Emmy a la Mejor Película Documental, así como un premio Bafta al Mejor Documental.
 
Sus imágenes están distintas galerías de arte del mundo, en la colección de la National Portrait Gallery de Londres, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo de Arte Moderno de Johannesburgo.

-Algunas fotografías de algunos de sus trabajos:

Narco-guerras en Afganistan.

  

VIH en Ucrania.

Papua Nueva Guinea, una cultura en transición.

 La guerra de los Rinocerontes.

 Sierra Leona.

Sudáfrica.

OPINIÓN PERSONAL

Si algo admiro de Brent Stirton es la diversidad de sus fotografías, tanto en color, como en formato, composición, objetivo utilizado, iluminación, etc. Aunque en la mayoría de sus fotografías, exceptuando sus reportajes en blanco y negro, tienen unos colores muy contrastados, y una iluminación muy dura. También me gusta su forma de contar las historias, adentrandose hasta el fondo del tema y mostrando las imagenes sin tapujos, siendo algunas ciertamente crudas y desoladoras, pero aun así, magnificas.

FOTOPERIODISMO Y ANTECEDENTES

    El fotoperiodismo, o periodismo fotográfico es un genero que básicamente responde a las premisas de la información periodística. El periodismo es una rama de la comunicación social que registra hechos de interés público que se difunde masivamente.

    El fotoperiodismo se encarga de mostrar mediante fotografías un suceso, que acompañado o no de un texto, es capaz de transmitir lo sucedido de una forma objetiva.
El fotógrafo captura el tiempo, congela el movimiento y revela lo invisible con inigualable realidad. La meta del fotoperiodismo es contar al lector qué había allí, clara, rápidamente y sin misterio alguno, confusión o enigma.

    El desarrollo del periodismo fotográfico puede rastrearse desde los mismos inicios del desarrollo de la fotografía y tiene una notable relación con la fotografía artística. Un periódico utilizó la fotografía por primera vez en 1880, en el Daily Graphic de Nueva York y desde entonces el periodismo ha integrado la imagen como medio objetivo y representativo de un hecho.
    El papel de los fotoperiodistas ha sido vital para registrar la historia de muchos acontecimientos importantes, de hecho la denominada edad dorada del fotoperiodismo (1930-1950) coincide con la II Guerra Mundial, tiempo en el cual se dio un notable avance tecnológico de la fotografía de guerra.
    La incursión de nuevas tecnologías como Internet en el siglo XXI originó una nueva etapa del periodismo a nivel global, conocida como periodismo digital, que afectó muy especialmente al fotoperiodismo.Esto ha llevado a algunos a hablar de "crisis del periodismo" y a otros a señalar el inicio de una nueva era en el oficio de la información.


EVE ARNOLD. Una mirada hacia el interior.

Eve Arnold, fotógrafa estadounidense fallecida en enero de 2012 a sus 99 años de edad, fue la primera mujer en ingresar en la agencia de fotoperiodismo Magnum, en 1951.
Arnold pedía permiso para las fotografías que no tomaba, porque una vez tenía el consentimiento de la persona a la que iba a fotografiar, ella esperaba a que se olvidara de la cámara, a que bajara la guardia para hacer su fotografía. Incluso en sus fotos de grandes artistas, como Marilyn Monroe y Marlene Dietrich, no se ve la máscara del personaje que representan, ni tampoco la tristeza que las cubría, es como si Arnold hubiera intentado engrandecer la parte más sencilla y humana a través de la cámara.

En los años 60, Eve Arnold se mudó a Londres definitivamente, y desde allí realizó sus viajes fotográficos, con un carácter más social que lo que había hecho anteriormente, como puede verse en sus reportajes sobre la Unión sovietica, Afganistán, Sudáfrica, Egipto y China.

 

A mi, personalmente, lo que me gusta de esta fotógrafa es la manera de captar miradas y gestos. En sus fotografías parece no importar el contexto, porque las caras de las personas fotografiadas lo expresan todo, sin importar si está fotografiando a una estrella de cine o a una niña china, ella es capaz de captar la esencia de las personas con su cámara, de fotografiar su interior.

Fotoperiodismo y arte.

A menudo tendemos a pensar que el fotoperiodismo es incompatible con el arte, que una foto, para que pueda ser considerada periodismo, debe desprenderse de toda cualidad artística, con el fin de no deformar la noticia, de no ensuciar la objetividad de la fotografía de prensa.

Brent Stirton me ha desmentido esta teoría, y con sus fotos he comprendido que no tiene por qué haber diferencia entre fotografía documental y fotoperiodismo, que documentar, hacer noticia y fotografiar de una forma artística pueden ir perfectamente de la mano.